Simon Hantaï

Le choix de la peinture

Musée de Tessé, Le Mans

Le musée de Tessé présente l’exposition « Le choix de la peinture, une autre histoire de l’abstraction, 1962-1989 » du 10 février au 9 juin 2024. Un panorama de trois décennies de peinture abstraite en France, des années 1960 aux années 1980.

Comment continuer à peindre alors que la mode est, à partir des années 1960, au pop art, au non-art, à l’art conceptuel et au minimalisme ? Telle est la question que pose cette exposition, dont le parcours, à travers une soixantaine d’œuvres, reflète la diversité des nouvelles démarches picturales fondées sur une autre conception du geste, du rôle de la couleur et de la notion de tableau.

Victor Vanoosten, commissaire d’exposition

Musée de Tessé
2 avenue de Paderborn
72000 Le Mans
Tél. 02 43 47 38 51

Entrée gratuite
Horaires : du mardi au dimanche, de 10h à 12h30 et de 14h à 18h
Catalogue : LE CHOIX DE LA PEINTURE Une autre histoire de l’abstraction en France 1962-1989.

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Au cœur de l’abstraction Collection de la Fondation Gandur pour l’Art

Fondation Maeght

L’exposition à la Fondation Maeght dévoilera dès le 2 juillet et jusqu’au 20 novembre 2022 des œuvres issues de la collection de la Fondation Gandur pour l’Art et propose une immersion dans la création bouillonnante des années 1945 à 1980.

Riche d’une collection de plus de 13 000 œuvres, la Fondation Maeght est toujours curieuse et honorée de présenter d’autres collections, parfois peu accessibles au public, comme elle l’a régulièrement fait par le passé. En cet été 2022, elle dévoile du 2 juillet au 20 novembre près de 120 œuvres de la Fondation Gandur pour l’Art (Genève) et propose une immersion passionnante dans l’abstraction des années 1950 à 1980.

Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, alors que nombre d’artistes européens exilés aux États-Unis reprennent le chemin de la France, Paris redevient une place forte de la création et reprend sa place de capitale culturelle mondiale. Une soif de liberté vissée au corps ainsi qu’un besoin impérieux de repenser la peinture après les années de guerre, des artistes du monde entier retrouvent leurs ateliers abandonnés durant l’occupation allemande et participent à une période d’effervescence créatrice, qu’elle soit artistique, littéraire ou cinématographique. Si les brèches ouvertes par les avant-gardes de la première moitié du XXe siècle restent un ferment important après-guerre, l’art abstrait se renouvelle, de l’expression la plus gestuelle aux questionnements sur la matière, les supports et les techniques.

La remarquable collection de la Fondation Gandur pour l’Art présentée à la Fondation Maeght permet de montrer les différentes formes que revêt l’abstraction durant ces années de création. Les œuvres de Hans Hartung, de Martin Barré, de Simon Hantaï ou de Pierre Soulages montrent l’évolution de l’art non-figuratif sur quatre décennies. Dans un parcours thématique et chronologique, l’exposition propose notamment de découvrir l’abstraction lyrique et gestuelle de Georges Mathieu, l’expressionnisme abstrait de Sam Francis ou Joan Mitchell, l’abstraction géométrique de Victor Vasarely, les œuvres cinétiques d’Alexander Calder et de Jean Tinguely, jusqu’à la remise en question de la peinture par le groupe Supports/Surfaces. Les années 1980 s’ouvrent sur une période de renouvellement de l’art abstrait, poursuivant les expérimentations intenses des années précédentes.

Commissaire invité : Yan Schubert, conservateur de la Fondation Gandur pour l’Art

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Simon Hantaï – L’exposition du centenaire

Fondation Louis Vuitton

À l’occasion du centenaire de la naissance de l’artiste (1922-2008), la Fondation Louis Vuitton présente une exposition rétrospective inédite rassemblant plus de 130 œuvres de l’artiste dont beaucoup jamais exposées, pour la plupart de grands formats et centrée sur les années 1957-2000.

Simultanément, la Fondation présentera l’exposition « La Couleur en fugue« , où les couleurs et supports s’inventent une liberté nouvelle en envahissant l’espace de la Fondation.

L’exposition prend comme point de départ de son parcours didactique la peinture Écriture rose (1958 – 1959, donation de l’artiste à l’État. Musée national d’art moderne / CNACGP) et couvre les grandes périodes successives de son œuvre depuis les Peintures à signes, Monochromes, Mariales, Catamurons, Panses, Meuns, Études, Blancs, Tabulas, Peintures polychromes, Sérigraphies et Laissées pour se conclure sur le « dernier atelier ».

Les influences artistiques décisives au développement de Hantaï sont mises en valeur à travers la présentation d’œuvres de Henri Matisse et de Jackson Pollock. Enfin, les relations d’amitié et de travail nouées au début des années 1960 entre Simon Hantaï et les jeunes artistes de son entourage à la Cité des Fleurs, Michel Parmentier et Daniel Buren sont évoquées dans l’exposition par des confrontations. Une intervention in situ inédite de Daniel Buren, intitulée Mur(s) pour Simon et conçue comme un hommage à Hantaï, est présentée dans le parcours de l’exposition.

Commissaire, direction du catalogue : Anne Baldassari

Fondation Louis Vuitton
8, Avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne, 75116 Paris

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PIERRE MATISSE, UN MARCHAND D’ART À NEW YORK

Musée Matisse Nice

En consacrant une grande exposition à Pierre Matisse, le Musée Matisse revient sur le parcours exceptionnel du plus jeune fils d’Henri Matisse, marchand d’art à New York et figure incontournable du monde de l’art moderne.

Pendant près de soixante années, la Pierre Matisse Gallery a joué un rôle considérable pour la défense de l’art moderne français et européen aux États-Unis, durant une période qui a façonné les grandes collections américaines privées et institutionnelles. À travers plus de trois cents expositions, c’est toute une génération d’artistes européens qui a ainsi pu exister sur la scène new-yorkaise et contribuer à son dynamisme.

Pierre Matisse s’est employé à construire des notoriétés et à valoriser les carrières américaines des grandes figures de la galerie que furent Henri Matisse, Joan Miró, Alexander Calder, Balthus, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet et Marc Chagall, pour ne citer que les principaux. Son action visait plus à défendre des singularités qu’à soutenir des courants, qu’ils portent le nom de fauvisme, de cubisme ou de surréalisme, ou encore d’École de Paris. Sans prétendre à l’exhaustivité, l’exposition Pierre Matisse, un marchand d’art à New York retrace cette odyssée à travers près de soixante-dix œuvres de vingt-trois artistes essentiels de la galerie.

Comme le dit Balthus, « il voyait les choses comme le fils d’un peintre ». Le parcours accorde une place importante aux catalogues de la galerie qui font preuve du génie de Pierre Matisse pour ces publications, parfois modestes mais toujours inventives. Il dévoile aussi la minutie et l’audace dont faisait preuve Pierre Matisse pour les accrochages, comme en témoignent les nombreuses photographies de ses expositions.

Ces deux axes forts du parcours se retrouvent dans le catalogue nourri d’une riche documentation iconographique autour des publications de la galerie et des installations. Le catalogue édité par Bernard Chauveau réunit des essais de Serena Bucalo-Mussely, Catherine Dossin, Fabrice Flahutez, Jack Flam, Claudine Grammont, Marianne Jakobi et Johanne Lindskog.

L’exposition a bénéficié de prêts majeurs de la Pierre and Tana Matisse Foundation (New York), de la collection Ezra et David Nahmad ainsi que de collections particulières. De la dation « Pierre Matisse » à l’État français dont le Musée national d’art moderne fut le bénéficiaire, sont présentés 15 chefs-d’œuvre que l’institution parisienne a généreusement prêtés au musée, ouvrant la voie à la signature d’un partenariat pluriannuel entre la Ville de Nice et le Centre Pompidou.

Cette exposition est reconnue d’intérêt national par le Ministère de la Culture. Elle bénéficie à ce titre d’un soutien financier exceptionnel de l’État.

Commissariat :
Claudine Grammont

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Calder, Soulages, Vasarely,… Abstractions plurielles (1950-1980)

Musée d'art de Pully

Le Musée d’art de Pully collabore avec la Fondation Gandur pour l’Art autour d’une exposition consacrée à la peinture informelle des années 1950 à 1980.

Les années qui suivent la Seconde Guerre mondiale connaissent une grande effervescence artistique. Paris reprend rapidement sa place de capitale culturelle et attire des peintres du monde entier. La tendance géométrique, qui prend sa source dans les avant-gardes du début du XXe siècle, connaît alors de nouveaux développements. De nombreux artistes mettent l’accent sur le geste ou la matière, recourent à de nouvelles techniques et repensent la peinture et ses supports.

Composée d’œuvres issues de la Fondation Gandur pour l’Art rarement présentées au public suisse, l’exposition propose un parcours original à travers la production bouillonnante des années 1950 à 1980, provenant des deux côtés de l’Atlantique.

Centrée sur les formes plurielles que prend l’abstraction au cours de cette période, elle montre les principales tendances : l’abstraction lyrique et gestuelle de Georges Mathieu ou de Hans Hartung, l’expressionnisme abstrait de Pierre Soulages ou de Sam Francis, l’abstraction géométrique de Victor Vasarely ou de François Morellet, ou encore la peinture minimale de Martin Barré, la sculpture cinétique de Jean Tinguely ou un monumental mobile d’Alexandre Calder. Quant au mouvemenent Supports/Surfaces, qui remet en question les moyens picturaux traditionnels, il marque à la fois une conclusion à cette période d’expérimentation intense et le début d’une aventure qui se poursuit aujourd’hui encore.

La Fondation Gandur pour l’Art a été créée en 2010 par Jean Claude Gandur, grand collectionneur d’art, afin de rendre accessible à un large public ses collections d’envergure internationale. Basée à Genève et reconnue d’utilité publique, la Fondation s’emploie à préserver, documenter, enrichir et exposer ses collections dans des institutions de renom en Suisse et à l’étranger.

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Soleils noirs

Musée du Louvre-Lens

L’exposition Soleils noirs est prolongée jusqu’au 25 janvier 2021 !

Poétique et sensorielle, l’exposition offre une rencontre inédite avec des chefs-d’œuvre de l’Histoire de l’art. Près de 75 ans après l’exposition mythique Le Noir est une couleur, le visiteur du Louvre-Lens est plongé dans l’observation fascinante de cette tonalité au symbolisme pluriel dans les arts occidentaux, de l’antiquité à nos jours.

Couleur du paradoxe, le noir est-il une absence de lumière, un vide, une somme réjouissante de toutes les couleurs, un éblouissement ? D’emblée, l’exposition immerge le visiteur dans une expérience du noir familière grâce à une salle consacrée à l’un des phénomènes naturels du noir ayant le plus largement retenu l’attention des artistes : la nuit. Quand la nuit tombe, sublime, se lève une terrible beauté (Vernet, Deperthes), un monde sans limite paraît (Fontana).

Archétypal et physiologique, le noir forme un élément structurant mais ambigu de la représentation du sacré, à la fois couleur de tous les commencements, de l’infini, de l’intemporel mais aussi celle de la mort et de l’ignorance. La philosophie des Lumières, au 18e siècle, dans sa lutte pour le triomphe de la Raison et la fin de l’obscurantisme a paradoxalement amené un regain d’intérêt pour l’étrange, la folie mais aussi la magie qui contribuent à l’émergence d’un romantisme noir durant tout le siècle suivant.
La fin du 19e siècle voit le développement d’un imaginaire décadent qui associe satanisme, sensualité, péché et mort (Rops, Doré). Mais, le noir infernal et maléfique se double d’un versant bénéfique et vénérable. Cette dualité de la couleur apparaît comme une manière poétique de conjurer le noir par le noir.

Considéré comme couleur de la salissure et du péché par les sociétés occidentales, le noir va être associé à l’idée de pénitence et d’humilité jusque dans les habits et costumes. À partir du 16e siècle, le noir s’impose également dans la mode aristocratique dans toute l’Europe – sa teinture est un luxe coûteux. Le 19e siècle va confirmer son statut de l’élégance qui touche alors d’autres classes sociales (Carolus-Duran, Agache, Manet). Au 20e siècle, ce sont les plus grands créateurs de la haute couture qui vont à leur tour investir le noir.

À l’ère de la révolution industrielle, les sociétés occidentales connaissent des mutations sans précédent. Récolté dans les entrailles de la terre, le charbon en est l’un des symboles noirs : il marque les visages des « gueules noires » et façonne l’imaginaire collectif au point que les artistes convoquent, citent ou prélèvent le noir industriel dans des formes renouvelées d’œuvres d’art (Kounellis, Arman, César, Venet).

Au 20e siècle, le noir devient une substance de la modernité, un vecteur de scission, de rupture. Il semble s’affranchir de sa dialectique originelle au point de devenir une substance esthétique réinventée, comme en témoignent la création de nouvelles techniques, de nouveaux pigments, d’outrenoirs (Reinhardt, Malévitch, Soulages).

Ce sujet universel permet de rendre palpable l’histoire des idées, des sciences, comme celle des formes au sein d’une exposition expérientielle et pédagogique. Inspirée du terril plat sur lequel repose le Louvre-Lens, l’exposition rend aussi hommage au passé minier dont les images sont dominées par le charbon et ses traces aux infinies nuances.

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HARTUNG ET LES PEINTRES LYRIQUES

Fonds Hélène & Édouard Leclerc pour la Culture

Grâce à des prêts exceptionnels, cette exposition fait entrer Hartung en résonance avec des artistes que l’on relie historiquement à « l’abstraction lyrique » du début des années 50.

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