Jorge Eduardo Eielson. Le nœud vertical

Tenerife Espacio de las Artes, Espagne

L’exposition « Le nœud vertical », consacrée à l’artiste Jorge Eduardo Eielson (Lima, 1924 – Milan, 2006), offre la possibilité d’examiner sa production artistique depuis la fin des années cinquante jusqu’aux dernières œuvres qu’il a créées. Eielson est l’un des artistes visuels et poètes les plus radicaux, au sens le plus large du terme, ainsi qu’un artiste aux multiples facettes, qui s’interroge sur le monde dans lequel nous vivons à travers une synthèse de pièces graphiques et de références culturelles.

Ce projet d’exposition, à caractère rétrospectif et inédit en Europe, explore les relations de l’artiste avec le monde littéraire, en particulier la poésie, et celui des arts visuels. Un dialogue fructueux qui met en scène sa réflexion sur le langage. Un langage pris comme une structure où le symbole indique aussi bien un début qu’une fin, un langage qui répond à des codes graphiques et visuels qui parlent à la fois à la raison et à l’intuition.

L’œuvre de Jorge Eduardo Eielson est un corpus de mondes qui convergent et dialoguent : le passé précolombien et le bleu d’une certaine mythologie méditerranéenne, l’écriture et l’art plastique, le concret du signe et l’infini de l’espace. Imma Prieto

Commissaire d’exposition : Imma Prieto

Coproduction avec le musée d’art contemporain Es Baluard de Palma.

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VASARELY AVANT L’OP : une abstraction européenne, 1945-1955

Fondation Vasarely, Aix-En-Provence

La Fondation Vasarely poursuit son partenariat avec le Centre Pompidou, Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle pour la 4ème année consécutive, avec l’exposition d’été « Vasarely avant l’Op, une abstraction européenne, 1945-1955 ». Du 17 juin au 15 octobre 2023, une sélection de 35 œuvres majeures prêtées par le musée parisien, le Musée départemental Matisse, le Musée d’art moderne de la ville de Paris, la Fondation Hartung-Bergman, la Fondation Marta Pan, la galerie Denise René et des collections privées seront présentées à Aix-en-Provence, à la Fondation Vasarely pendant quatre mois.

ACTION, GESTE, PEINTURE : FEMMES DANS L’ABSTRACTION, UNE HISTOIRE MONDIALE (1940-1970)

Fondation Vincent Van Gogh, Arles

L’exposition « Action, Geste, Peinture – Femmes dans l’abstraction, une histoire mondiale, 1940-1970 » réunit 85 artistes du monde entier. Elle a pour vocation d’élargir la perception commune de l’expressionnisme abstrait, courant centré sur la liberté d’expression et le geste et réputé être majoritairement américain et masculin. En présentant plus de 130 œuvres créées par des artistes femmes entre 1940 et 1970, l’exposition inclut des pratiques artistiques nourries de diverses influences, allant du surréalisme et de l’art informel – en Europe ou en Amérique du Nord, comme du Sud, à l’abstraction calligraphique en Afrique du Nord, au Moyen-Orient et en Asie.

Les œuvres présentées, conçues à l’issue d’une guerre mondiale dévastatrice et de migrations forcées, signent une libération collective autant que personnelle, qui passe par la prise en compte des conditions matérielles, mais également humaines et naturelles, de leur création.

Au sein de l’exposition, la Fondation Vincent van Gogh Arles propose de porter le regard vers une création plus antérieure. Il s’agit de l’œuvre peinte de Vincent van Gogh, que beaucoup considèrent comme postimpressionniste et précurseur du fauvisme et de l’expressionnisme. Cinq de ses tableaux, réunis sous le titre « Sols fertiles », soulignent son apport vivace à l’histoire de l’abstraction gestuelle et matérielle.

L’exposition met en lumière d’autres apports majeurs à la création plastique à partir de 1945, en élargissant le panorama vers les tendances radicales et évènementielles (qui se développeront plus tard au cours des années 1960 et 1970 dans les domaines de la danse et de la performance). Ainsi, les genres conventionnels se superposent, se nourrissent les uns les autres et se dissipent.

Cette exposition itinérante est le fruit d’une étroite collaboration entre la Whitechapel Gallery, la Kunsthalle Bielefeld et la Fondation Vincent Van Gogh Arles.

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Jean Paul Riopelle | Parfums d’ateliers

Fondation Maeght, Saint-Paul de Vence

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Anna-Eva Bergman, Voyage vers l’intérieur

MAM | Musée d'Art Moderne de Paris

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente la première grande rétrospective consacrée à l’artiste norvégienne Anna-Eva Bergman (1909-1987), figure-clé de la peinture de l’après-guerre, artiste libre et visionnaire, dont l’œuvre plastique, caractérisée par l’emploi de la feuille d’or ou d’argent, est une puissante célébration de la beauté de la nature, des paysages du Nord et de la Méditerranée.

Exposée dans le monde entier de son vivant (notamment au Musée d’Art Moderne de Paris en 1977 mais aussi en Italie, Allemagne ou en Norvège), Anna-Eva Bergman reste cependant insuffisamment reconnue en Europe. Son oeuvre au langage pictural singulier, fondé sur un vocabulaire de formes pures, demande aujourd’hui à être reconsidérée plus largement dans le champ de l’histoire de l’art aux côtés du travail d’autres grandes artistes femmes comme Hilma af Klint, Georgia O’Keeffe ou encore Sonia Delaunay qui ont été ses contemporaines.

L’exposition Anna-Eva Bergman, Voyage vers l’intérieur apporte un éclairage décisif dans la redécouverte de cette artiste majeure en proposant un panorama de toute sa production. Composée de plus de 200 oeuvres, l’exposition fait suite à la rétrospective consacrée en octobre 2019 par le MAM à Hans Hartung, qui fut aussi l’époux de l’artiste.

À cette occasion, le musée présente Stèle n°2, 1964, acquise du vivant de l’artiste ainsi que la centaine d’oeuvres provenant du don exceptionnel consenti par la Fondation Hartung-Bergman au MAM en 2017. Cet ensemble est complété par des photographies, dessins et documents d’archives dont de nombreux inédits, provenant des collections de la Fondation à Antibes.

Un catalogue édité aux éditions Paris Musées sous la direction d’Hélène Leroy rassemble des essais de spécialistes français et norvégiens. Les auteurs détaillent notamment la richesse des techniques plastiques abordées par Bergman et l’usage très spécifique d’un matériau devenu sa signature : la feuille de métal (or, argent, aluminium, étain, cuivre, plomb, bismuth). Différents essais s’attachent, en outre, à creuser le rapport d’Anna-Eva Bergman au dessin et à la caricature, à l’architecture, son emploi du Nombre d’or, ainsi que la réception et l’exposition de son oeuvre après-guerre, sa relation aux grands maîtres du passé et à ses contemporains comme Barnett Newman, Ad Reinhardt ou Mark Rothko.

Le Musée d’Art Moderne de Paris a collaboré étroitement avec la Fondation Hartung-Bergman à Antibes ainsi qu’avec le Nasjonalmuseet à Oslo, qui lui consacrera à son tour une exposition du 16 novembre 2023 au 25 février 2024.

Commissariat : Hélène Leroy

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Germaine Richier

Centre Pompidou, Paris

Hommage à Germaine Richier, première sculptrice exposée au Musée national d’art moderne en 1956, cette rétrospective rassemble près de 200 œuvres – sculptures, gravures, dessins.

Nourrie de recherches inédites, elle démontre combien Germaine Richier occupe une position centrale dans l’histoire de la sculpture moderne, comme un chaînon entre Rodin et le premier César. Formée à la tradition d’Auguste Rodin et d’Antoine Bourdelle, Germaine Richier s’affirme comme profondément originale et radicale en à peine plus de 25 ans, des années 1930 à sa disparition précoce en 1959. Le parcours de l’exposition retrace chronologiquement sa trajectoire artistique, éclairant les grands thèmes qui nourrissent sa pratique sculpturale (l’humain, l’animal, les mythes…). Il révèle comment Richier opère une revitalisation de la figure, forgeant après-guerre de nouvelles images de l’homme et de la femme.

Commissariat : Ariane Coulondre

L’exposition est organisée par le Centre Pompidou, Paris, en collaboration avec le Musée Fabre, Montpellier.

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VICTOR BRAUNER – INVENTIONS ET MAGIE

Musée national d’art de Timișoara, Roumanie

À l’occasion de l’ouverture du programme culturel « Timișoara 2023 : Capitale européenne de la culture « , le Musée national d’art de Timișoara accueille l’exposition la plus importante et la plus complète d’Europe de l’Est consacrée à l’artiste surréaliste d’origine roumaine Victor Brauner.

L’ouverture officielle de l’exposition aura lieu le 17 février 2023 à 16h00 dans la salle baroque du musée national d’art de Timișoara.

Cent vingt ans après la naissance de Victor Brauner dans le Royaume de Roumanie et sous le commissariat de Camille Morando, cette exposition rétrospective vise à rendre hommage à une figure centrale du surréalisme, un artiste peu connu jusqu’à présent dans son pays d’origine. Le commissaire a sélectionné plus de 100 peintures, dessins, sculptures, illustrations et documents couvrant l’ensemble de la carrière artistique de Brauner, de Bucarest à Paris, des années 1920 au début des années 1960. Toutes ces œuvres inestimables sont réunies pour la première fois dans une exposition rétrospective dont la conception est signée par l’architecte Attila Kim.

« Victor Brauner : Inventions et Magie », la plus importante rétrospective d’Europe de l’Est consacrée à l’artiste surréaliste d’origine roumaine, est financée par le Conseil départemental de Timiș et coorganisée dans la capitale européenne de la culture par le Centre Pompidou, le Musée national d’art de Timișoara, la Fondation Art Encounters et l’Institut français de Roumanie – antenne de Timișoara, avec le soutien du Comité Brauner et de la Fondation du Judaïsme Français.

L’exposition est ouverte au public du 17 février au 28 mai 2023.

L’exposition est accompagnée d’un catalogue bilingue (roumain/anglais) coédité par l’imprimerie Arta Grafica et la Fondation Art Encounters. Coordonné par Camille Morando, commissaire de l’exposition, ce catalogue comprend des textes signés par de grands noms de la scène culturelle, tels que Cătălin Davidescu, Catherine Hansen, Radu Stern, Bernard Blistène, Irina Cărăbaș, Andreea Foanene, Diana Marincu, ainsi qu’une biographie de Victor Brauner et des photographies anciennes sélectionnées par l’éditeur.

L’événement est co-organisé par le Centre Pompidou Paris, le Musée national d’art de Timişoara, la Fondation Art Encounters et l’Institut français de Roumanie, avec le soutien du Comité Brauner, de la Fondation du Judaïsme français et financé par le Conseil départemental de Timiş.

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Action, Gesture, Paint | Women Artists and Global Abstraction 1940–70

Whitechapel Gallery, Londres

La Whitechapel Gallery présente une exposition majeure de 150 peintures d’une génération méconnue de 81 femmes artistes internationales.

Au-delà des peintres masculins majoritairement blancs dont les noms sont synonymes du mouvement expressionniste abstrait, cette exposition célèbre les pratiques des nombreuses femmes artistes internationales qui ont travaillé avec l’abstraction gestuelle au lendemain de la Seconde Guerre mondiale.

On dit souvent que le mouvement expressionniste abstrait est né aux États-Unis, mais l’étendue géographique de cette exposition démontre que des artistes du monde entier exploraient des thèmes similaires de matérialité, de liberté d’expression, de perception et de geste, conférant à l’abstraction gestuelle leurs propres contextes culturels spécifiques – de la montée du fascisme dans certaines parties de l’Amérique du Sud et de l’Asie de l’Est à l’influence du communisme en Europe de l’Est et en Chine.

L’exposition présente des artistes connus associés au mouvement de l’expressionnisme abstrait, notamment les Américains Lee Krasner (1908-1984) et Helen Frankenthaler (1928-2011), ainsi que des figures moins connues telles que l’artiste mozambicaine et italienne Bertina Lopes (1924-2012) et l’artiste sud-coréen Wook-kyung Choi (1940-1985). Plus de la moitié des œuvres n’ont jamais été exposées au public au Royaume-Uni.

Artistes :
Mary Abbott, Etel Adnan, Maliheh Afnan, Ruth Armer, Gillian Ayres, Ida Barbarigo, Noemí Di Benedetto, Anna-Eva Bergman, Janice Biala, Bernice Bing, Sandra Blow, Dusti Bongé, Chinyee, Wook-kyung Choi, Jay DeFeo, Martha Edelheit, Amaranth Ehrenhalt, Asma Fayoumi, Lilly Fenichel, Perle Fine, Else Fischer-Hansen, Audrey Flack, Elna Fonnesbech-Sandberg, Juana Francés, Helen Frankenthaler, Sonia Gechtoff, Judith Godwin, Gloria Gómez-Sánchez, Elsa Gramcko, Sarah Grilo, Grace Hartigan, Lilian Holt, Buffie Johnson, Yuki Katsura, Helen Khal, Elaine de Kooning, Lee Krasner, Bice Lazzari, Lifang, Bertina Lopes, Margaret Mellis, Marta Minujín, Joan Mitchell, Aiko Miyawaki, Yolanda Mohalyi, Nasreen Mohamedi, Emiko Nakano, Lea Nikel, Tomie Ohtake, Fayga Ostrower, Mercedes Pardo, Charlotte Park, Betty Parsons, Pat Passlof, Alice Rahon, Carol Rama, Marie Raymond, Judit Reigl, Deborah Remington, Britta Ringvall, Erna Rosenstein, Behjat Sadr, Nadia Saikali, Zilia Sánchez, Fanny Sanín, Miriam Schapiro, Sarah Schumann, Ethel Schwabacher, Sonja Sekula, Toko Shinoda, Sylvia Snowden, Janet Sobel, Vivian Springford, Franciszka Themerson, Alma Thomas, Yvonne Thomas, Hedwig Thun, Nína Tryggvadóttir, Elsa Vaudrey, Maria Helena Vieira da Silva, Michael West

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OSSIP ZADKINE. UNE VIE D’ATELIERS

Musée Zadkine, Paris

Ouvert en 1982, grâce au legs de Valentine Prax, peintre et épouse du sculpteur Ossip Zadkine, le musée Zadkine célèbre cette année son quarantième anniversaire. À l’occasion de cet événement, le musée présente l’exposition Ossip Zadkine. Une vie d’ateliers qui entraîne le visiteur au cœur de l’atelier des deux artistes. Près d’une centaine d’œuvres en constitue le parcours, rassemblant une belle sélection de chefs-d’œuvre de Zadkine, mais aussi des peintures de Prax rarement montrées et de nombreuses photographies inédites, certaines de photographes de renom tels André Kertész ou Marc Vaux. L’exposition bénéficie également d’un prêt exceptionnel du musée de Grenoble, une Tête de jeune fille, parmi les premières têtes taillées dans le marbre par Zadkine à la Ruche. Le parcours occupe l’ensemble des salles du musée dans une scénographie renouvelée, qui évoque « l’esprit d’atelier ».

Pendant quarante ans, les murs et les arbres de cette demeure ont été témoins du quotidien et de la création du couple d’artistes. Depuis quatre décennies, le musée Zadkine conserve et valorise leur œuvre respectif, et plus particulièrement celui du sculpteur, artisan du renouveau de la sculpture au XXe siècle. À la fois lieu physique et espace mental, autant nid, abri que poste d’observation, cette maison-atelier se déploie comme habitacle des œuvres. Scène de la création, elle sert aussi de cadre aux mémoires de Zadkine et de Prax, et de décor aux nombreuses photographies qui font partie des archives du musée aujourd’hui.
L’exposition Ossip Zadkine. Une vie d’ateliers est l’occasion de révéler une partie de ces précieux témoignages et ainsi d’offrir au public une évocation incarnée de l’atelier des deux artistes. Dans un jeu de miroir, les photographies sont associées à des sculptures, des peintures et des dessins de Zadkine et de Prax, principalement issus de la collection du musée, pour faire apparaître leur lieu de vie et de création comme un tout ; car « autant qu’un morceau du monde, la maison est un monde en soi : celui que son propriétaire porte dans sa tête et qu’elle matérialise » (Mona Chollet, Chez soi : une odyssée de l’espace domestique, 2015).

Depuis les premiers ateliers que Zadkine a peuplé de ses sculptures dès son arrivée à Paris en 1910 jusqu’à l’atelier du jardin que le sculpteur s’est fait construire après-guerre, le parcours de l’exposition suit un principe chrono-thématique. Une partie introductive raconte les premiers ateliers dans lesquels Zadkine a vécu et travaillé, au cœur du quartier Montparnasse. Le second chapitre est consacré à la maison-atelier de la rue d’Assas où il s’installe en 1928 avec Valentine Prax, qu’il a épousée en 1920. La troisième et dernière section propose de se plonger dans le processus de création et l’effervescence de la vie de l’atelier.

Commissariat :
Cécilie Champy-Vinas, directrice du musée Zadkine;
Pauline Créteur, chargée de recherche à la BnF

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