Maria Helena Vieira da Silva

ACTION, GESTE, PEINTURE : FEMMES DANS L’ABSTRACTION, UNE HISTOIRE MONDIALE (1940-1970)

Fondation Vincent Van Gogh, Arles

L’exposition « Action, Geste, Peinture – Femmes dans l’abstraction, une histoire mondiale, 1940-1970 » réunit 85 artistes du monde entier. Elle a pour vocation d’élargir la perception commune de l’expressionnisme abstrait, courant centré sur la liberté d’expression et le geste et réputé être majoritairement américain et masculin. En présentant plus de 130 œuvres créées par des artistes femmes entre 1940 et 1970, l’exposition inclut des pratiques artistiques nourries de diverses influences, allant du surréalisme et de l’art informel – en Europe ou en Amérique du Nord, comme du Sud, à l’abstraction calligraphique en Afrique du Nord, au Moyen-Orient et en Asie.

Les œuvres présentées, conçues à l’issue d’une guerre mondiale dévastatrice et de migrations forcées, signent une libération collective autant que personnelle, qui passe par la prise en compte des conditions matérielles, mais également humaines et naturelles, de leur création.

Au sein de l’exposition, la Fondation Vincent van Gogh Arles propose de porter le regard vers une création plus antérieure. Il s’agit de l’œuvre peinte de Vincent van Gogh, que beaucoup considèrent comme postimpressionniste et précurseur du fauvisme et de l’expressionnisme. Cinq de ses tableaux, réunis sous le titre « Sols fertiles », soulignent son apport vivace à l’histoire de l’abstraction gestuelle et matérielle.

L’exposition met en lumière d’autres apports majeurs à la création plastique à partir de 1945, en élargissant le panorama vers les tendances radicales et évènementielles (qui se développeront plus tard au cours des années 1960 et 1970 dans les domaines de la danse et de la performance). Ainsi, les genres conventionnels se superposent, se nourrissent les uns les autres et se dissipent.

Cette exposition itinérante est le fruit d’une étroite collaboration entre la Whitechapel Gallery, la Kunsthalle Bielefeld et la Fondation Vincent Van Gogh Arles.

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Action, Gesture, Paint | Women Artists and Global Abstraction 1940–70

Whitechapel Gallery, Londres

La Whitechapel Gallery présente une exposition majeure de 150 peintures d’une génération méconnue de 81 femmes artistes internationales.

Au-delà des peintres masculins majoritairement blancs dont les noms sont synonymes du mouvement expressionniste abstrait, cette exposition célèbre les pratiques des nombreuses femmes artistes internationales qui ont travaillé avec l’abstraction gestuelle au lendemain de la Seconde Guerre mondiale.

On dit souvent que le mouvement expressionniste abstrait est né aux États-Unis, mais l’étendue géographique de cette exposition démontre que des artistes du monde entier exploraient des thèmes similaires de matérialité, de liberté d’expression, de perception et de geste, conférant à l’abstraction gestuelle leurs propres contextes culturels spécifiques – de la montée du fascisme dans certaines parties de l’Amérique du Sud et de l’Asie de l’Est à l’influence du communisme en Europe de l’Est et en Chine.

L’exposition présente des artistes connus associés au mouvement de l’expressionnisme abstrait, notamment les Américains Lee Krasner (1908-1984) et Helen Frankenthaler (1928-2011), ainsi que des figures moins connues telles que l’artiste mozambicaine et italienne Bertina Lopes (1924-2012) et l’artiste sud-coréen Wook-kyung Choi (1940-1985). Plus de la moitié des œuvres n’ont jamais été exposées au public au Royaume-Uni.

Artistes :
Mary Abbott, Etel Adnan, Maliheh Afnan, Ruth Armer, Gillian Ayres, Ida Barbarigo, Noemí Di Benedetto, Anna-Eva Bergman, Janice Biala, Bernice Bing, Sandra Blow, Dusti Bongé, Chinyee, Wook-kyung Choi, Jay DeFeo, Martha Edelheit, Amaranth Ehrenhalt, Asma Fayoumi, Lilly Fenichel, Perle Fine, Else Fischer-Hansen, Audrey Flack, Elna Fonnesbech-Sandberg, Juana Francés, Helen Frankenthaler, Sonia Gechtoff, Judith Godwin, Gloria Gómez-Sánchez, Elsa Gramcko, Sarah Grilo, Grace Hartigan, Lilian Holt, Buffie Johnson, Yuki Katsura, Helen Khal, Elaine de Kooning, Lee Krasner, Bice Lazzari, Lifang, Bertina Lopes, Margaret Mellis, Marta Minujín, Joan Mitchell, Aiko Miyawaki, Yolanda Mohalyi, Nasreen Mohamedi, Emiko Nakano, Lea Nikel, Tomie Ohtake, Fayga Ostrower, Mercedes Pardo, Charlotte Park, Betty Parsons, Pat Passlof, Alice Rahon, Carol Rama, Marie Raymond, Judit Reigl, Deborah Remington, Britta Ringvall, Erna Rosenstein, Behjat Sadr, Nadia Saikali, Zilia Sánchez, Fanny Sanín, Miriam Schapiro, Sarah Schumann, Ethel Schwabacher, Sonja Sekula, Toko Shinoda, Sylvia Snowden, Janet Sobel, Vivian Springford, Franciszka Themerson, Alma Thomas, Yvonne Thomas, Hedwig Thun, Nína Tryggvadóttir, Elsa Vaudrey, Maria Helena Vieira da Silva, Michael West

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Paris et nulle part ailleurs

Musée de l'histoire de l'immigration

24 artistes étrangers à Paris. 1945-1972

L’exposition Paris et nulle part ailleurs plonge le public dans les années d’effervescence d’après-guerre qui, de 1945 à 1972, virent l’émergence de nouvelles visions artistiques, que ce soit dans le domaine de l’abstraction, de la figuration ou de l’art cinétique.
Dans la première moitié du XX^e siècle, Paris est la capitale mondiale des arts, le foyer des avant-gardes vers lequel affluent artistes et intellectuels du monde entier. Après la Seconde guerre mondiale, malgré l’attractivité de plus en plus forte de New York, c’est encore à Paris, et, pour beaucoup, nulle part ailleurs, qu’il faut aller se former, créer, exposer, confronter son travail à celui des autres, écrire l’histoire de l’art.

L’exposition
Sur les 15 000 artistes actifs à Paris à cette époque, 60 à 65 % d’entre eux sont étrangers. Qu’ils ne passent que quelques mois, quelques années, partent et reviennent, ou s’installent définitivement, pour quelles raisons ces artistes sont-ils venus ? Comment leurs œuvres ont-t-elles été marquées par ce changement d’univers, comment l’expriment-elles ? Leurs parcours migratoires sont-ils similaires à ceux de leurs compatriotes ? Paris et nulle part ailleurs s’intéresse à 24 artistes de diverses origines (Europe, Afrique, Amérique latine, États-Unis, Asie) venus à Paris et dont le travail permet de saisir les enjeux de la migration.

Organisée en quatre thèmes : s’exiler, mêler sa culture d’origine et celle d’accueil, réagir à l’étrangeté du monde que l’on découvre, construire un langage universel sans frontières, l’exposition évoque les motivations du départ, l’installation, les sociabilités, un quotidien parfois difficile dans une ville cosmopolite devenue leur nouveau foyer.

L’exposition réunit une centaine d’œuvres de collections privées et publiques – dessins, sculptures, peintures, collages – de Shafic Abboud (Liban), Eduardo Arroyo (Espagne), André Cadere (Roumanie), Ahmed Cherkaoui (Maroc), Carlos Cruz-Diez (Vénézuela), Dado (Monténégro), Erró (Islande), Tetsumi Kudo (Japon), Wifredo Lam (Cuba), Julio Le Parc (Argentine), Milvia Maglione (Italie), Roberto Matta (Chili), Joan Mitchell (États-Unis), Véra Molnar (Hongrie), Iba N’Diaye (Sénégal), Alicia Penalba (Argentine), Judit Reigl (Hongrie), Antonio Seguí (Argentine), Jesús Rafael Soto (Vénézuela), Daniel Spoerri (Roumanie), Hervé Télémaque (Haïti), Victor Vasarely (Hongrie), Maria Helena Vieira da Silva (Portugal), Zao Wou-Ki (Chine).

Commissariat de l’exposition
Jean-Paul Ameline

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Vieira da Silva, l’oeil du labyrinthe

Musée Cantini, Marseille

Durant la saison France-Portugal 2022 et avec le soutien de la Fondation Gubelkian, le musée Cantini propose, en collaboration avec les musées de Dijon et la galerie Jeanne Bucher Jaeger, une rétrospective de l’œuvre de l’artiste de renommée internationale d’origine portugaise Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992). Avec un ensemble de cent peintures et dessins, cette rétrospective retrace les étapes clés de sa carrière marquée par un questionnement sans relâche sur la perspective, les transformations urbaines, la dynamique architecturale ou encore la musicalité de la touche picturale. Le parcours chronologique et thématique décline la carrière de l’artiste, de ses débuts figuratifs à Lisbonne dans les années 1920 aux peintures évanescentes des années 1980.

Conçues comme des labyrinthes « terribles » et évanescents, les œuvres de Vieira da Silva convoquent le pouvoir du regard, plaçant l’œil du spectateur au cœur du sujet et de son absorption dans l’œuvre. Son œuvre visionnaire nous donne à voir les prémices labyrinthiques de nos vies connectées.

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Modernités portugaises

Musée Caillebotte

Embrassant une vaste période, des années 1910 aux années 1960, l’histoire du modernisme portugais, dont le poète Fernando Pessoa fut la figure tutélaire et son principal fondateur, se déroule entre le Portugal et Paris : la capitale française, centre artistique international depuis le XIX^e siècle, attire les Portugais en quête de modernité.

Cette histoire méconnue s’insère dans un contexte international bien plus vaste et met en lumière, à partir d’artistes de générations et de styles différents, un modernisme de tous les pays, de tous les continents.

Avec plus d’une centaine d’œuvres d’artistes portugais célèbres ou peu connus en France, mais qui tous ont contribué à l’art moderne lusitanien comme international, cette exposition nous amène à déplacer notre regard, à le faire voyager, et à penser l’histoire de l’art en dehors de ses grandes figures.

Sont exposées, les œuvres de Sarah Affonso, José de Almada Negreiros, Mário Cesariny, António Dacosta, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Ofélia Marques, Santa Rita Pintor, Amadeo de Souza-Cardoso, Árpád Szenes, Eduardo Viana, Maria Helena Vieira da Silva.

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ELLES FONT L’ABSTRACTION

Musée Guggenheim Bilbao

L’exposition initialement présentée par le Centre Pompidou se poursuit au Musée Guggenheim Bilbao.

Elles font l’abstraction ambitionne d’écrire l’histoire des apports d’« artistes femmes » à l’abstraction au 20e siècle, jusqu’aux années 1980 environ, avec quelques incursions inédites dans le 19e siècle.

Selon les termes choisis pour le titre, les artistes y sont présentées comme actrices et cocréatrices à part entière du modernisme et de son héritage. Loin du catalogage, il s’agit de mettre en évidence des tournants décisifs qui ont marqué cette histoire, tout en questionnant les canons de l’abstraction. Une attention toute particulière est donnée à la mise en évidence des contextes spécifiques qui ont entouré, favorisé ou au contraire limité la reconnaissance des artistes femmes. Ces contextes sont à la fois éducationnels, sociaux, institutionnels, idéologiques voire esthétiques. L’exposition révèle ainsi le processus d’invisibilisation qui a marqué l’oeuvre de ces artistes, tout en rendant compte de leurs positions, avec leurs complexités et leurs paradoxes. Beaucoup se sont définies au-delà du genre, quand d’autres ont revendiqué un art « féminin ».

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ELLES FONT L’ABSTRACTION

Centre Pompidou, Paris

L’exposition propose une relecture inédite de l’histoire de l’abstraction depuis ses origines jusqu’aux années 1980, articulant les apports spécifiques de près de cent dix artistes femmes.

« Elles font l’abstraction » donne l’occasion de découvrir des artistes qui constituent des découvertes tant pour les spécialistes que pour le grand public. L’exposition valorise le travail de nombre d’entre elles souffrant d’un manque de visibilité et de reconnaissance au-delà des frontières de leur pays. Elle se concentre sur les parcours d’artistes, parfois injustement éclipsées de l’histoire de l’art, en revenant sur leur apport spécifique à l’histoire de l’abstraction.

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Maria Helena Vieira da Silva, l’espace en jeu

Musée d'art moderne de Céret

L’exposition « Vieira da Silva, l’espace en jeu » présente l’œuvre de Maria Helena Vieira da Silva (Lisbonne 1908-Paris 1992), femme peintre et figure majeure de l’art moderne, pour la première fois au musée d’art moderne de Céret.

L’exposition « Vieira da Silva, l’espace en jeu » offre au public l’opportunité de découvrir une artiste peu exposée dans le sud de la France depuis la présentation de la dation au musée Fabre à Montpellier en 1994. Elle retrace un parcours exceptionnel par sa cohérence et par la profondeur et la qualité de la recherche picturale. Depuis les premiers dessins anatomiques jusqu’aux ultimes papiers noyés de lumière, soit plus d’un demi-siècle de création, l’accent est mis sur son œuvre graphique rarement exposé, parfois inédit.

Commissariat : Nathalie Gallissot, conservatrice en chef, directrice du musée d’art moderne de Céret, assistée de Julie Chateignon, assistante de conservation.
Coordination : Lydia Fons et Aude Marchand, assistantes principales de conservation.

Catalogue d’exposition réalisé avec Edition d’art Somogy : textes de Marina Bairrão Ruivo, Rémi Cariel, Diane Daval Béran, Nathalie Gallissot et Véronique Jaeger.

Site internet du Musée d’art moderne de Céret