Sam Francis x Hans Hartung | Beyond Limits

Sam Francis et Hans Hartung ont choisi de vivre à Paris, berceau des grands mouvements de l’Avant-Garde. Dans la capitale de l’Art Informel, Hans Hartung s’affirme contre la tradition picturale formaliste et se tourne naturellement vers l’abstraction lyrique plutôt que géométrique. Sam Francis arrive à Paris en 1950 suite à l’obtention de la G.I Bill, une bourse d’étude qui lui permet de venir découvrir la peinture européenne.

Tous deux ont connu leur première reconnaissance artistique à Paris, dans les années d’Après-Guerre. En 1947, Hartung expose à la galerie Lydia Conti, un des lieux mythiques du mouvement de l’Abstraction Lyrique, où il rencontrera enfin le succès. Quelques années plus tard, en 1952, la galerie Nina Dausset consacrera la première exposition personnelle à Sam Francis dont la reconnaissance fut immédiate et internationale. Tous deux sont bien connus des grands personnages phares de l’École de Paris comme Michel Tapié ou Paul Facchetti, ont cotoyé les mêmes cercles d’artistes et les mêmes galeries, pourtant ces deux grands maîtres de l’abstraction d’après-guerre n’ont jamais eu l’occasion d’exposer ensemble.

Hans Hartung et Sam Francis jouent sur les contrastes des différents pigments pour faire jaillir luminosité et intensité dans leur peinture. Chez Sam Francis, le traitement de la lumière dans ses œuvres se rapproche de la technique des grands maîtres de la peinture Fauve et Impressionniste. Il interpose des couleurs vives, laissant transparaître le blanc de son support pour produire une clarté semblable à celle que l’on peut trouver sur une œuvre de Matisse ou de Derain. Francis reproduira cette tradition sur ses propres œuvres afin de parvenir à engendrer des reflets et une luminosité qui se répand sur toute la surface. Il prend également plaisir à choisir ses fameuses « paires d’opposées », comme le bleu et l’orange, ou le rouge et le vert. L’artiste aime la pureté des pigments qu’il juxtapose pour faire ressortir le blanc — cette couleur qu’il daigne noble. Sûrement fut-il inspiré des découvertes colorimétriques du siècle dernier qui prouvaient que la lumière blanche pouvait être recomposée à partir de la théorie des couleurs (rouge, vert et bleu). À l’évidence, Francis ne mélange pas ses peintures, il utilise des couleurs pures qu’il dilue simplement avec de l’eau pour créer des nuances dans les teintes puisque c’est cette pureté qui fera ressortir la supériorité du blanc.

C’est au cours des années 60 que Hans Hartung s’intéresse à cette luminosité qui se dégage de la technique de « grattage » qu’il développe. À l’inverse de Sam Francis, qui lui répand la lumière sur l’ensemble de son œuvre, Hans Hartung préfère créer un jeu d’ombre et d’éclat en augmentant plus ou moins les contrastes. L’artiste superpose les couleurs sourdes sur un fond plus clair, puis il vient gratter la matière pour donner une mesure presque néon à ses griffures.

Sûrement est-il influencé par le clair-obscur de sa photographie qu’il pratiquait souvent. Il jouait avec la lumière en contre-jour qui renforçait l’aspect lumineux des photos en noir et blanc grâce aux forts contrastes. C’est au début des années 60 que l’artiste incorpore de nouveaux matériaux tels que la peinture vinylique et l’acrylique. Le temps de séchage de ces médiums, beaucoup plus court, l’incite à travailler les surfaces peintes encore plus rapidement. La charge chromatique de ses pigments qui se dévoile grâce au grattage de ses aplats sombres, va produire différents effets de profondeur et de luminescence. Hans Hartung va réussir à produire des failles de lumières tout en gardant un geste précis et irrattrapable.

Pendant les années 1960, Hartung expérimente déjà avec des outils qu’il détourne de leurs usages habituels. Dans les années 70, comme pour chaque décennie, l’artiste se renouvelle et perfectionne encore plus ses outils, pour les adapter à ses besoins esthétiques, comme le peigne, le râteau ou le pinceau à multiples embouts. Ce « multi-pinceau » est spécialement conçu pour créer un effet de lignes équidistantes, parallèles, permettant à l’artiste l’exécution de plusieurs écritures en un seul geste dynamique. Cette nouvelle façon de peindre redonne un aspect presque géométrique à son œuvre, mais elle ne perd pas pour autant sa dimension spontanée et gestuelle. Au contraire, ses traits brusques ne perdent pas d’ampleur. Le noir superposé sur les aplats de couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) la rend encore plus audacieuse.

À travers ses nombreuses œuvres sur papier, nous voyons la méthode approfondie qu’utilisait Sam Francis dans sa recherche de nouvelles formes et techniques. Déjà dans les années 60, il mélange les médiums avec des temps de séchage différents pour donner des effets de temporalités expressives. Chaque aplat de couleur enregistre un temps. L’utilisation de la gouache ou de l’acrylique n’est pas un hasard. Nous pouvons dire que Sam Francis travaille l’eau autant que la peinture. Il l’utilise pour diluer les pigments et joue avec le caractère fluide et fluctuant de cet élément qui lui permet de manipuler la peinture. Il expérimente avec la transparence, la superposition et la réaction des couleurs mélangées. Il laisse la peinture agir librement, mais l’on devine toutefois son geste délibéré et consciencieux.