Bernar Venet

Benar Venet – Artiste de l’année 2022

Benar Venet reçoit le prix de l'artiste de l'année 2022 de l'association American Friends of Museums in Israel.

Benar Venet (France, 1941) est l’une des figures essentielles de l’art conceptuel. Il travaille dans des domaines aussi variés que la performance, la peinture, la sculpture monumentale et l’écriture théorique. Avec la série des Arcs, Les Lignes indéterminées ont établi son statut d’artiste essentiel et mondialement reconnu. À ce jour, il est l’artiste français le plus exposé au niveau international, avec 30 expositions publiques de sculptures et des œuvres monumentales installées en permanence dans des villes telles que Auckland, Austin, Berlin, Bonn, Denver, Genève, Lyon, Neu-Ulm, Nice, Paris, et Séoul, Shenzhen et Toulouse.

Il a reçu de nombreux prix, dont le Grand Prix des Arts de la Ville de Paris et le titre de Chevalier de la Légion d’Honneur, la plus haute décoration française. En février 2016, l’International Sculpture Center a doté Venet du 2016 Lifetime Achievement Award pour ses contributions exemplaires au domaine de la sculpture. En 2020, il a été admis à la Royal Society of Sculptors.

American Friends of Museums en Israël

Depuis de nombreuses années, les American Friends of Museums in Israel honorent des artistes vivants exceptionnels dont l’ensemble de l’œuvre a suscité l’admiration et le respect de la communauté artistique mondiale. Parmi les artistes honorés par le passé figurent : Jaume Plensa | Tony Cragg | Richard Misrach | Desiree Dolron | Robert Longo | Tracey Emin | Ruud van Empel | Thomas Ruff | Massimo Vitali | John Baldessari | Jeff Koons | James Rosenquist

Bernar Venet, 1961-2021: 60 Years of Performance, Painting and Sculpture

Kunsthalle Berlin, Aéroport de Tempelhof, Allemagne

BERNAR VENET AU LOUVRE-LENS

L'hypotèse de la gravité

L’Hypothèse de la gravité est une exposition monographique de l’artiste contemporain Bernar Venet. Une oeuvre monumentale envahit les 1000m² du lumineux Pavillon de verre et reconfigure le paysage intérieur et extérieur du musée.

Le Pavillon de verre est investi d’une centaine de poutres d’acier corten en forme d’Arcs, de Lignes droites, et d’Angles. Entassés, accumulés, emmêlés à même le sol, les éléments sculpturaux et linéaires, aussi monumentaux que graphiques, se sont effondrés sur eux-mêmes.
Bernar Venet pose ici l’hypothèse de la gravité comme proposition formelle. La matière n’est plus régie que par les forces de la nature : les motifs industriels sont agencés de manière désordonnée au point de rappeler l’organisation spontanée du végétal. La sculpture libère une énergie et une féroce beauté. Il offre ainsi aux visiteurs une expérience physique et artistique de l’espace, de la poésie, de l’imprévisible.
L’artiste poursuit ses explorations sur la matière, ses capacités de résistance, sa réaction à la gravité ainsi que la question de l’entropie centrale dans son oeuvre. La pratique de l’entassement, de l’effondrement, ainsi que le recours à des combinaisons aléatoires comme mode de création, sont essentiels de l’oeuvre de Bernar Venet.

Au Louvre-Lens, L’Hypothèse de la gravité marque une nouvelle étape du travail de l’artiste : l’installation est ici connectée spatialement, visuellement et conceptuellement à la Galerie du temps, 3000m2 où se déploie 5000 ans d’histoire de l’art d’un seul regard, sans cloisons. Elle entre en écho avec une idole cycladique, un Couros en marbre provenant du sanctuaire d’Asclépios, une petite Victoire ailée modelée en terre cuite au début du 2e siècle avant J.C., le célèbre Hermaphrodite endormi de la collection Pamphili, une statuette de vieil homme aztèque taillée dans une pierre volcanique, des pleurants du début du 15e siècle français, ou encore cette élancée Diane chasseresse de bronze, et les 200 objets exposés. Une histoire de la sculpture se lève, bouleversée de cet agencement magistral, aléatoire, que propose Bernar Venet. Il interroge le geste même du sculpteur, qui vise à générer un nouvel espace par l’association de plein et de vide, qu’il ajoute de la matière ou qu’il en retire, qu’il modèle, qu’il accumule ou qu’il taille.

Bernar Venet, Louvre-Lens. Photo par Frédéric Lovino

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Soleils noirs

Musée du Louvre-Lens

L’exposition Soleils noirs est prolongée jusqu’au 25 janvier 2021 !

Poétique et sensorielle, l’exposition offre une rencontre inédite avec des chefs-d’œuvre de l’Histoire de l’art. Près de 75 ans après l’exposition mythique Le Noir est une couleur, le visiteur du Louvre-Lens est plongé dans l’observation fascinante de cette tonalité au symbolisme pluriel dans les arts occidentaux, de l’antiquité à nos jours.

Couleur du paradoxe, le noir est-il une absence de lumière, un vide, une somme réjouissante de toutes les couleurs, un éblouissement ? D’emblée, l’exposition immerge le visiteur dans une expérience du noir familière grâce à une salle consacrée à l’un des phénomènes naturels du noir ayant le plus largement retenu l’attention des artistes : la nuit. Quand la nuit tombe, sublime, se lève une terrible beauté (Vernet, Deperthes), un monde sans limite paraît (Fontana).

Archétypal et physiologique, le noir forme un élément structurant mais ambigu de la représentation du sacré, à la fois couleur de tous les commencements, de l’infini, de l’intemporel mais aussi celle de la mort et de l’ignorance. La philosophie des Lumières, au 18e siècle, dans sa lutte pour le triomphe de la Raison et la fin de l’obscurantisme a paradoxalement amené un regain d’intérêt pour l’étrange, la folie mais aussi la magie qui contribuent à l’émergence d’un romantisme noir durant tout le siècle suivant.
La fin du 19e siècle voit le développement d’un imaginaire décadent qui associe satanisme, sensualité, péché et mort (Rops, Doré). Mais, le noir infernal et maléfique se double d’un versant bénéfique et vénérable. Cette dualité de la couleur apparaît comme une manière poétique de conjurer le noir par le noir.

Considéré comme couleur de la salissure et du péché par les sociétés occidentales, le noir va être associé à l’idée de pénitence et d’humilité jusque dans les habits et costumes. À partir du 16e siècle, le noir s’impose également dans la mode aristocratique dans toute l’Europe – sa teinture est un luxe coûteux. Le 19e siècle va confirmer son statut de l’élégance qui touche alors d’autres classes sociales (Carolus-Duran, Agache, Manet). Au 20e siècle, ce sont les plus grands créateurs de la haute couture qui vont à leur tour investir le noir.

À l’ère de la révolution industrielle, les sociétés occidentales connaissent des mutations sans précédent. Récolté dans les entrailles de la terre, le charbon en est l’un des symboles noirs : il marque les visages des « gueules noires » et façonne l’imaginaire collectif au point que les artistes convoquent, citent ou prélèvent le noir industriel dans des formes renouvelées d’œuvres d’art (Kounellis, Arman, César, Venet).

Au 20e siècle, le noir devient une substance de la modernité, un vecteur de scission, de rupture. Il semble s’affranchir de sa dialectique originelle au point de devenir une substance esthétique réinventée, comme en témoignent la création de nouvelles techniques, de nouveaux pigments, d’outrenoirs (Reinhardt, Malévitch, Soulages).

Ce sujet universel permet de rendre palpable l’histoire des idées, des sciences, comme celle des formes au sein d’une exposition expérientielle et pédagogique. Inspirée du terril plat sur lequel repose le Louvre-Lens, l’exposition rend aussi hommage au passé minier dont les images sont dominées par le charbon et ses traces aux infinies nuances.

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BERNAR VENET AU MAMAC NICE

Les années conceptuelles 1966-1976

Du 12 octobre 2018 au 24 mars 2019, la Ville de Nice vous invite à découvrir l’exposition exceptionnelle « Bernar Venet. Les années conceptuelles 1966-1976 » au MAMAC. « En présentant ce que l’on définit habituellement comme « objets mathématiques » : nombres, figures, espaces, fonctions, relations, structures, etc.… l’œuvre d’art peut alors s’élever à un niveau d’abstraction maximal qui lui était étranger. Le « non-référentiel » est poussé dans ses extrêmes limites. Nous n’avons plus, comme dans l’art abstrait, de symbolique non plus, celle de la forme ou de la couleur par exemple… Je propose un système auto-référentiel maximal, celui que seule une équation mathématique peut contenir. » Bernar Venet a entrepris, dès les années 1960, une radicalisation sans précédent de l’expérience artistique et de la production esthétique. Rebuté par les conventions ressassées de l’art français, fasciné par le formalisme américain et, surtout, Marcel Duchamp, il s’est imposé, à partir de 1970, comme l’un des chefs de file de l’art conceptuel. L’exposition propose pour la toute première fois d’explorer cette période insuffisamment connue de son travail, qui s’amorce à Nice pour trouver son déploiement aux Etats-Unis. Conceptuelle, sculpturale et picturale, l’œuvre de Bernar Venet se développe alors dans le sens d’une réflexion sur l’identité de l’art et les rapports entre expression artistique et savoir scientifique, associant l’incertitude, l’aléatoire et le désordre aux données mathématiques. Cette période très fructueuse pendant laquelle il fait entrer dans le champ de l’art, l’abstraction pure de la recherche scientifique, l’objectivité et rationalité des mathématiques, marque aussi les débuts d’une véritable approche pluridisciplinaire. Au contact des artistes de la Judson school, Bernar Venet, entreprend en effet un projet de ballet, organise des performances et conférences, qui offriront autant de prétextes au déploiement d’un programme d’événements associés avec différents acteurs du territoire. Aux côtés de la présentation d’une centaine d’œuvres, de nombreuses archives issues de la Venet Foundation, viendront éclairer le processus créatif de l’artiste. L’exposition est envisagée comme un diptyque : tandis que le MAC Lyon organise une rétrospective de l’ensemble de son œuvre, le MAMAC propose une plongée dans ce moment spécifique et intense de sa pratique, qui a permis d’inscrire Bernar Venet parmi les grands artistes de la scène conceptuelle internationale des années 1960.

Commissariat : Hélène Guenin, directrice du MAMAC et Alexandre Quoi, historien de l’art

Catalogue : Edition d’un catalogue Bernar Venet. Les années conceptuelles, en Français et Anglais chez Dilecta (textes de Catherine Millet, Alexandre Quoi, Erik Verhagen)

Simultanément, Bernar Venet, rétrospective, 2019- 1959 au Mac Lyon du 21 septembre 2018 au 6 janvier 2019.

Photo : Bernar Venet dans son atelier à Nice, 1966. © Archives Bernar Venet, NewYork. ADAGP, Paris, 2018.

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Bernar Venet, rétrospective 2019-1959

Mac Lyon

L’exposition présente un ensemble inédit et exceptionnel de plus de 170 œuvres, des premières performances, dessins, diagrammes, peintures, jusqu’aux photographies, œuvres sonores, films et sculptures, retraçant ainsi 60 années de création. C’est la rétrospective la plus complète jamais réalisée.

Cette rétrospective a pour objet d’examiner toutes les étapes qui conduisent, à l’orée des années 1960, un jeune artiste de 20 ans à « souhaiter retirer toute charge d’expression contenue dans l’œuvre pour la réduire à un fait matériel », puis à s’approprier l’astrophysique, la physique nucléaire et la logique mathématique, à interrompre 5 ans son activité pour opérer enfin un retour inattendu avec des toiles sur châssis. Suivront les œuvres sonores, la poésie, puis les lignes indéterminées, les accidents, les dispersions, les combinaisons aléatoires, jusqu’aux lignes indéfinies et courbes des sculptures monumentales en acier corten dédiées à l’espace urbain.

L’œuvre protéiforme de Bernar Venet reste encore mal connue car elle est souvent exposée partiellement, en « périodes » ou selon une logique de support (les « goudrons », les sculptures en acier…). Elle exige aujourd’hui d’être appréhendée dans son intégralité afin d’en cerner l’ampleur, la complexité, la poésie et l’évidence. Il convient d’en retracer le parcours afin de restituer au contexte qui l’a vu naître (l’apparition du happening en 1959, du Nouveau Réalisme, de Fluxus et de l’École de Nice dans les années 1960, « l’invention » de l’art minimal et conceptuel aux États-Unis où Bernar Venet s’installe en 1966), la pertinence et le haut degré de création. C’est l’objet de cette rétrospective.

Le commissariat est assuré par Thierry Raspail.

Catalogue de l’exposition « Bernar Venet, rétrospective 2019-1959 » au mac^LYON

. Textes de Thierry Raspail, Thierry de Duve, Donatien Grau ; entretien de Bernar Venet avec Hans-Ulrich Obrist
En coédition avec le macLYON

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Venet Versailles

Bernard Marcadé - Brian O'Doherty

En 1961, lors de son service militaire à Tarascon, Bernar Venet réalise une performance où on le voit couché au milieu de détritus. C’est sa première ouvre revendiquée. Plus de 50 ans après cette action, l’artiste occupe la place d’armes et les jardins du château de Versailles, à l’aide de ses  » Arcs « , de ses  » Lignes indéterminées  » et de ses  » Effondrements  » en acier Corten au total 8 sculptures monumentales. L’ouvrage, réalisé à l’occasion de cet événement, retrace le parcours visuel (voir plan ci-joint) d’un artiste protéiforme qui, de l’art conceptuel à l’art public, a fortement marqué le paysage esthétique contemporain, avec ses peintures, ses installations, ses performances, ses sculptures, mais aussi ses écrits. L’essai de l’artiste et critique d’art Brian O’Doherty s’attache à analyser la contribution de Bernar Venet aux grands questionnements de l’art et de la sculpture de notre temps. Au travers d’un récit étoilé et polyphonique, Bernard Marcadé met en perspective la figure singulière de l’artiste dont l’extrême rigueur n’exclut en aucune manière la liberté formelle.

Livre relié sous jaquette
232 pages
260 illustrations
Auteurs : Commissaire de l’exposition, Bernard Marcadé – Critique d’art, Brian O’Doherty
Editeur : Editions du Regard
Parution : juin 2011