Le choix de la peinture

Musée de Tessé, Le Mans

Le musée de Tessé présente l’exposition « Le choix de la peinture, une autre histoire de l’abstraction, 1962-1989 » du 10 février au 9 juin 2024. Un panorama de trois décennies de peinture abstraite en France, des années 1960 aux années 1980.

Comment continuer à peindre alors que la mode est, à partir des années 1960, au pop art, au non-art, à l’art conceptuel et au minimalisme ? Telle est la question que pose cette exposition, dont le parcours, à travers une soixantaine d’œuvres, reflète la diversité des nouvelles démarches picturales fondées sur une autre conception du geste, du rôle de la couleur et de la notion de tableau.

Victor Vanoosten, commissaire d’exposition

Musée de Tessé
2 avenue de Paderborn
72000 Le Mans
Tél. 02 43 47 38 51

Entrée gratuite
Horaires : du mardi au dimanche, de 10h à 12h30 et de 14h à 18h
Catalogue : LE CHOIX DE LA PEINTURE Une autre histoire de l’abstraction en France 1962-1989.

En savoir plus

Jean Paul Riopelle | Parfums d’ateliers

Fondation Maeght, Saint-Paul de Vence

En savoir plus

Au cœur de l’abstraction Collection de la Fondation Gandur pour l’Art

Fondation Maeght

L’exposition à la Fondation Maeght dévoilera dès le 2 juillet et jusqu’au 20 novembre 2022 des œuvres issues de la collection de la Fondation Gandur pour l’Art et propose une immersion dans la création bouillonnante des années 1945 à 1980.

Riche d’une collection de plus de 13 000 œuvres, la Fondation Maeght est toujours curieuse et honorée de présenter d’autres collections, parfois peu accessibles au public, comme elle l’a régulièrement fait par le passé. En cet été 2022, elle dévoile du 2 juillet au 20 novembre près de 120 œuvres de la Fondation Gandur pour l’Art (Genève) et propose une immersion passionnante dans l’abstraction des années 1950 à 1980.

Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, alors que nombre d’artistes européens exilés aux États-Unis reprennent le chemin de la France, Paris redevient une place forte de la création et reprend sa place de capitale culturelle mondiale. Une soif de liberté vissée au corps ainsi qu’un besoin impérieux de repenser la peinture après les années de guerre, des artistes du monde entier retrouvent leurs ateliers abandonnés durant l’occupation allemande et participent à une période d’effervescence créatrice, qu’elle soit artistique, littéraire ou cinématographique. Si les brèches ouvertes par les avant-gardes de la première moitié du XXe siècle restent un ferment important après-guerre, l’art abstrait se renouvelle, de l’expression la plus gestuelle aux questionnements sur la matière, les supports et les techniques.

La remarquable collection de la Fondation Gandur pour l’Art présentée à la Fondation Maeght permet de montrer les différentes formes que revêt l’abstraction durant ces années de création. Les œuvres de Hans Hartung, de Martin Barré, de Simon Hantaï ou de Pierre Soulages montrent l’évolution de l’art non-figuratif sur quatre décennies. Dans un parcours thématique et chronologique, l’exposition propose notamment de découvrir l’abstraction lyrique et gestuelle de Georges Mathieu, l’expressionnisme abstrait de Sam Francis ou Joan Mitchell, l’abstraction géométrique de Victor Vasarely, les œuvres cinétiques d’Alexander Calder et de Jean Tinguely, jusqu’à la remise en question de la peinture par le groupe Supports/Surfaces. Les années 1980 s’ouvrent sur une période de renouvellement de l’art abstrait, poursuivant les expérimentations intenses des années précédentes.

Commissaire invité : Yan Schubert, conservateur de la Fondation Gandur pour l’Art

En savoir plus

PIERRE MATISSE, UN MARCHAND D’ART À NEW YORK

Musée Matisse Nice

En consacrant une grande exposition à Pierre Matisse, le Musée Matisse revient sur le parcours exceptionnel du plus jeune fils d’Henri Matisse, marchand d’art à New York et figure incontournable du monde de l’art moderne.

Pendant près de soixante années, la Pierre Matisse Gallery a joué un rôle considérable pour la défense de l’art moderne français et européen aux États-Unis, durant une période qui a façonné les grandes collections américaines privées et institutionnelles. À travers plus de trois cents expositions, c’est toute une génération d’artistes européens qui a ainsi pu exister sur la scène new-yorkaise et contribuer à son dynamisme.

Pierre Matisse s’est employé à construire des notoriétés et à valoriser les carrières américaines des grandes figures de la galerie que furent Henri Matisse, Joan Miró, Alexander Calder, Balthus, Alberto Giacometti, Jean Dubuffet et Marc Chagall, pour ne citer que les principaux. Son action visait plus à défendre des singularités qu’à soutenir des courants, qu’ils portent le nom de fauvisme, de cubisme ou de surréalisme, ou encore d’École de Paris. Sans prétendre à l’exhaustivité, l’exposition Pierre Matisse, un marchand d’art à New York retrace cette odyssée à travers près de soixante-dix œuvres de vingt-trois artistes essentiels de la galerie.

Comme le dit Balthus, « il voyait les choses comme le fils d’un peintre ». Le parcours accorde une place importante aux catalogues de la galerie qui font preuve du génie de Pierre Matisse pour ces publications, parfois modestes mais toujours inventives. Il dévoile aussi la minutie et l’audace dont faisait preuve Pierre Matisse pour les accrochages, comme en témoignent les nombreuses photographies de ses expositions.

Ces deux axes forts du parcours se retrouvent dans le catalogue nourri d’une riche documentation iconographique autour des publications de la galerie et des installations. Le catalogue édité par Bernard Chauveau réunit des essais de Serena Bucalo-Mussely, Catherine Dossin, Fabrice Flahutez, Jack Flam, Claudine Grammont, Marianne Jakobi et Johanne Lindskog.

L’exposition a bénéficié de prêts majeurs de la Pierre and Tana Matisse Foundation (New York), de la collection Ezra et David Nahmad ainsi que de collections particulières. De la dation « Pierre Matisse » à l’État français dont le Musée national d’art moderne fut le bénéficiaire, sont présentés 15 chefs-d’œuvre que l’institution parisienne a généreusement prêtés au musée, ouvrant la voie à la signature d’un partenariat pluriannuel entre la Ville de Nice et le Centre Pompidou.

Cette exposition est reconnue d’intérêt national par le Ministère de la Culture. Elle bénéficie à ce titre d’un soutien financier exceptionnel de l’État.

Commissariat :
Claudine Grammont

Lien vers l’exposition

UNITED STATES OF ABSTRACTION

Musée d'arts de Nantes | Musée Fabre Montpellier

Le Musée d’arts de Nantes et le musée Fabre de Montpellier organisent une exposition intitulée United States of Abstraction. Artistes américains en France, 1946-1964.
Le rôle de Paris comme capitale mondiale de l’art occidental depuis le 19e siècle est bien connu, et il est également considéré comme un fait établi que la Ville lumière perd cette prééminence après la Seconde Guerre mondiale au profit de New York.
L’histoire de l’expressionnisme abstrait, de l’école de New York, et ses héros, Jackson Pollock et Willem De Kooning entre autres, est ainsi devenue le récit dominant de l’art après 1945.
Pourtant, l’on sait également que de très nombreux artistes, musiciens et écrivains américains, hommes et femmes, ont continué à venir étudier et créer en France. Plus de 400 artistes ont en particulier utilisé la bourse du G.I. Bill, qui permettait à tout ancien combattant de financer ses études, en venant s’inscrire aux écoles d’arts et académies parisiennes entre 1946 et 1953. L’exposition explore cette intense présence et la manière dont elle a contribué à la redéfinition de l’art abstrait en France à un moment où la géographie mondiale de l’art était bouleversée.
Ils venaient pour des raisons diverses : l’attrait culturel de Paris, ses musées et ses maîtres, l’attrait de l’Europe, la possibilité de créer sans réelle contrainte grâce à la bourse, la recherche d’une plus grande liberté, l’envie d’être ailleurs, d’être à Paris comme sur une île.
L’exposition est organisée en trois chapitres. La première section examine les œuvres réunies par le critique Michel Tapié, que ce soit dans des expositions de groupe (comme Véhémences confrontées à la galerie Nina Dausset en 1951, les Signifiants de l’informel en 1952 ou Un art autre au Studio Facchetti la même année) ou dans des publications de la première moitié des années 1950. Ces événements constituent une passionnante tentative de rapprocher une série d’œuvres abstraites en dehors des considérations nationales, mais autour des idées d’expressivité, de peinture gestuelle ou automatique abstraite. Plusieurs peintres américains, Jackson Pollock, Willem De Kooning, Mark Tobey, Claire Falkenstein, Alfonso Ossorio y sont associés et mis en rapport avec Wols, Jean Dubuffet, Georges Mathieu, Jean Paul Riopelle.
Le second chapitre regroupe plusieurs coloristes abstraits, comme Sam Francis, Joan Mitchell, Shirley Jaffe, mais aussi Kimber Smith ou Beauford Delaney, qui trouvèrent en France un lieu de liberté et de créativité, sans pour autant établir de liens forts avec les artistes du groupe de l’abstraction lyrique, à l’exception du peintre canadien Jean Paul Riopelle. Ils revendiquent une forme de solitude et utilisent la capitale française comme un lieu stimulant pour la création mais néanmoins étrangement apatride. Leurs œuvres ont en commun des formes flottantes, de grande échelle, aux coloris intenses.
Le dernier chapitre étudie comment les artistes Ellsworth Kelly, Ralph Coburn, Jack Youngerman, ou Robert Breer, en relation avec certains de leurs aînés comme Jean Arp ou Alexander Calder et avec certains de leurs contemporains (François Morellet), ont profondément renouvelé l’abstraction géométrique dans le Paris de l’après-guerre.
Constituée d’une centaine d’œuvres, peintures, sculptures, provenant de collections publiques et privées européennes et américaines, l’exposition est accompagnée d’un riche appareil documentaire permettant d’appréhender l’époque et d’un catalogue où spécialistes français et américains retracent sous un nouveau jour un passionnant chapitre de l’histoire des échanges artistiques.

Vers le musée d’arts de Nantes

Vers le musée Fabre de Montpellier

Jean-Paul Riopelle : Catalogue raisonné tome 5, 1972 – 1979

Yseult Riopelle, Fondation Riopelle

Texte de Ray Ellenwood : Masks, the North and New Configurations – Les masques, le Grand Nord et les nouvelles configurations, 2017, suivi de Addendum: The Question of Cultural Appropriation – Addenda: La question de l’appropriation culturelle, mars 2019

Recherche et direction Yseult Riopelle et Tanguy Riopelle

Français/anglais. Plus de 1300 reproductions – 552 pages.

ISBN : 978-2-922623-04-8

Riopelle : À la rencontre des territoires nordiques et des cultures autochtones

Musée des Beaux-arts de Montréal

Le Musée des beaux-arts de Montréal consacre une exposition d’envergure à Jean Paul Riopelle (1923-2002), figure majeure de l’art moderne canadien, québécois et international. Fruit de recherches inédites, cette présentation explore, au travers de près de 160 œuvres et de plus de 150 artefacts et documents d’archives, l’intérêt de l’artiste pour la nordicité et l’autochtonie. Elle jette un nouvel éclairage sur sa production des années 1950 et 1970, en retraçant les voyages et les influences qui ont nourri son intérêt pour les territoires nordiques et les communautés autochtones d’Amérique du Nord.

L’exposition Riopelle : À la rencontre des territoires nordiques et des cultures autochtones dévoile un artiste imprégné par l’intérêt des surréalistes pour les arts non occidentaux, influencé par son ami et collectionneur Georges Duthuit ainsi que par la lecture des travaux d’anthropologues et d’ethnologues tels que Marius Barbeau, Jean Malaurie et Claude Lévi-Strauss.

Elle rend compte de l’influence des voyages de chasse et de pêche faits par Riopelle au cours des années 1970 dans le Nord et le Grand Nord du Québec et du Canada, en compagnie du Dr Champlain Charest, propriétaire d’un hydravion, dont témoignent entre autres les séries Jeux de ficelles (1971-1972), Rois de Thulé (1973) et Icebergs (1977). S’appuyant sur une approche interculturelle, elle fait un parallèle inédit entre les œuvres de Riopelle et certaines sources qui l’ont inspiré, notamment une sélection de masques inuit et d’œuvres des Premières Nations de la côte Nord-Ouest du pacifique.

Lien vers l’exposition

MITCHELL/RIOPELLE UN COUPLE DANS LA DÉMESURE

FONDS HÉLÈNE & ÉDOUARD LECLERC POUR LA CULTURE

Figures incontournables de la peinture abstraite de la seconde moitié du XXe siècle, la peintre américaine Joan Mitchell (1925-1992) et le peintre canadien Jean-Paul Riopelle (1923-2002) s’inscrivent, à l’image de Camille Claudel et Auguste Rodin, de Lee Miller et Man Ray, de Frida Kahlo et Diego Rivera, de Lee Krasner et Jackson Pollock, dans la constellation des mythologies sentimentales et artistiques, où se révèle toute la portée d’un lien affectif étroit entre deux créateurs passionnés et audacieux. Pour la toute première fois, une exposition retrace leur carrière artistique respective à l’aune de leur relation, à compter de leur rencontre en 1955, jusqu’à leur séparation en 1979. Des œuvres emblématiques et principalement de grand format, fruits de leur travail réalisé dans le contexte particulier de cette liaison, seront présentées à Landerneau.

COMMISSARIAT : MICHEL MARTIN

L’exposition Mitchell | Riopelle. Un couple dans la démesure a été conçue par le Musée national des beaux-arts du Québec et réalisée en collaboration avec le Musée des beaux-arts de l’Ontario et le Fonds Hélène & Édouard Leclerc pour la Culture. Cette réunion inédite d’une soixantaine d’œuvres majeures de ces deux géants de l’art moderne a été présenté pour la toute première fois au Musée national des beaux-arts du Québec en 2017, puis au Musée des beaux-arts de l’Ontario de Toronto en 2018. L’exposition réunit principalement des tableaux de grand format et quelques œuvres sur papier, en provenance de plus d’une trentaine de prêteurs, de collections privées et muséales, françaises, canadiennes et américaines. Ce projet a été réalisé avec le précieux soutien de la Joan Mitchell Foundation (New York) et d’Yseult Riopelle et Sylvie Riopelle. Le partenariat établi avec le FHEL pour une troisième présentation de cette exposition, en France, permet à ce projet de s’épanouir dans un nouveau lien, en écho avec l’attachement et l’intérêt de ces artistes pour ce pays.

Lien vers l’exposition

MITCHELL/RIOPELLE UN COUPLE DANS LA DÉMESURE

Musée des Beaux-arts de du Québec

DEUX GÉANTS DE LA MODERNITÉ CÉLÉBRÉS

Exposition conçue par le Musée national des beaux-arts du Québec et organisée en partenariat avec le Musée des beaux-arts de l’Ontario, avec l’appui de la Joan Mitchell Foundation et de la Succession Jean Paul Riopelle.